Synonyms, tercera película del director Nadav Lapid, autor de “Policeman” (2011) y “La maestra de párvulos” (2014)
Sinónimos es una obra subjetiva y que resultar difícil de seguir por la temática que plantea.
Es una coproducción francesa-israelí
Sinopsis
Seguimos la historia del joven Yoav (Tom Mercier), a quien vemos llegar a París una noche. Ansioso por fundirse con su país de adopción. Entra en un apartamento vacío y en los escasos minutos que pasa dándose una ducha, alguien aprovecha para robarle su bolsa de dormir y su mochila con todas sus pertenencias. Tras salir desnudo a pedir ayuda entre sus vecinos, vuelve a la ducha para tratar de mantenerse en calor. Allí lo encuentran más tarde, desmayado, Émile (Quentin Dolmaire) y Caroline (Louise Chevillote), una pareja también residente en el edificio.
La joven pareja de vecinos burgueses, Emile aspirante a novelista que vive del imperio inmobiliario de su familia y la oboe que interpreta Caroline, ven las necesidades de Yoav como algo prosaico y por ello le proveen ayuda, dinero, ropa, móvil y sugerencias de trabajo.
Yoav proviene de una familia acomodada, y se quiere dedicar a ser escritor, aunque no parece tener mucho éxito. La pareja Caroline y Émile representan un estereotipo de jóvenes franceses, bohemios y sensibles, pero acomodados. Yoav por su parte, llegó desde Israel con el objetivo de “hacerse francés”.
De modo que vamos a ser testigos del empeño imposible y violento de tratar de reemplazar una identidad por otra. Intentando cortar el nudo imposible e invisible que ata a una persona con su país. Ese sentimiento será el hilo conductor de gran parte del relato. Yoav está todo el tiempo consultando en un diccionario francés diferentes términos peyorativos para referirse a su país natal, a la vez querehúsa terminantemente pronunciar el hebreo. Aunque paradójicamente consigue empleo en la embajada de su país, empleo que boicotea por sus ideales. Cuando su familia intenta contactarlo y ayudarlo, los rechaza en inglés.
Yoav le regala historias de su paso por el servicio militar al escritor Émile y lo vemos involucrarse sentimentalmente con Caroline.
En una de las escenas más fuertes del film, Yoav se ofrece como modelo erótico, y a las exigencias físicas del fotógrafo se le suma el pedido de exclamar frases en su lengua nativa, el hebreo; somos así testigos de una suerte de abuso simbólico del protagonista.
No menos importante a todo esto, es que vemos cómo Yoav asiste a un curso para extranjeros como requisito previo a obtener su ciudadanía francesa. Frente al abrazo de una nacionalidad en rechazo a otra, nos encontramos con que en el fondo el ex-soldado está tan convencido de que Francia será su libertad que no se dará cuenta de que acaba de cambiar un uniforme por otro.
Premios
2019 Oso de Oro en Festival Internacional de Cine de Berlín
Guion: Tom Edge basado en la obra teatral "End of the Rainbow" de Peter Quilter
Música: Gabriel Yared
Fotografía: Ole Bratt Birkeland
Reparto: Renée Zellweger, Rufus Sewell, Finn Wittrock, Michael Gambon, Jessie Buckley, Bella Ramsey, John Dagleish, Gemma Leah Devereux, Gaia Weiss, Andy Nyman, Fenella Woolgar, Phil Dunster, Julian Ferro, Royce Pierreson, Lucy Russell, Philippe Spall, Kate Margo
Productora: BBC Films / Calamity Films / Pathé / 20th Century Fox
Coproducción: Reino Unido-Estados Unidos
Género: Drama. Biográfico. Años 60. Música
Sinopsis:
Durante el invierno de 1968, treinta años después del estreno de “El mago de Oz”, Judy Garland llega a Londres para dar una serie de conciertos. Las entradas se agotan en cuestión de días a pesar de que su voz y sus fuerzas ya no son las de antes. Mientras Judy se prepara para subir al escenario vuelven a ella los fantasmas que la atormentaron durante su juventud en Hollywood. A sus 47 años, se enfrenta en este viaje a las inseguridades que la acompañaron desde su debut, pero esta vez tiene una meta firme: regresar a EEUU y comprar una casa para encontrar el equilibrio junto a sus hijos.
Premios:
2020: Oscar a la mejor actriz principal
2020: Globos de Oro: Mejor actriz drama (Renée Zellweger)
2020: Premios BAFTA: mejor actriz (Zellweger)
2019: National Board of Review (NBR): Mejor actriz. Top films independientes
2020: Critics Choice Awards: Mejor actriz (Renée Zellweger)
2020: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor actriz (Renée Zellweger)
2020: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actriz (Renée Zellweger)
2019: British Independent Film Awards (BIFA): mejor actriz (Zellweger)
entre otros muchos.
Introducción
Se sabe que hay profesiones de alto riesgo. ¿quien día que ser actor, músico, cantante y artista del espectáculo es una profesión de alto riesgo aunque no lo parezca?
Cantantes que murieron a los 27 años. Los más conocidos:
Kurt Cobain 27 años
Jim Morrison 27 años
Jimi Hendrix 27 años
Janis Joplin 27 años
Amy Winehouse 27 años
Sobre la película Judy
Judy es el segundo largometraje del director británico Rupert Goold.
La trama se basa en la vida de Judy Garland de 1968 y 1969, que debe lidiar con su ex marido, el cual se esfuerza en buscar evidencias para demostrar que no es una madre apta para responsabilizarse de sus dos hijos. Esto para Judy es el revulsivo que hace que, para reunir algo de dinero, acepte un trabajo de cantante en Londres.
El guión de Tom Edge y la obra teatral de Peter Quilter, hacen que el director Rupert Goold nos realice un biopic con unos engranajes super convencionales. Sobre todo cuando la película está situada en los peores años de la cantante: el último periodo en Londres, cuando tenía unos 47 años más o menos, en una angustiosa bancarrota y en pleno litigio por la custodia de sus hijos. Sus hijos se quedan en EEUU y se siente sola. Sus ahorros se han agotado y los directores de cine ya no la quieren en sus producciones.
La actriz decide dar una serie de conciertos en Londres, donde aún sigue siendo una admirada estrella. Asistimos a apariciones en tertulias televisivas y a una constante lucha con el alcoholismo y la melancolía que se refleja en su cuarto vacío.
La película realiza una parábola exquisita sobre el asfixiante y adictivo poder de la maquinaria de Hollywood, su habilidad para crear estrellas y desprenderse de ellas sin mayores consecuencias. Vemos la vida de estos juguetes rotos que acaban siendo dependientes de tal maquinaria.
Rupert Goold ama hacer encuadres maravillosos de Judy, a pesar de su fase autodestructiva.
Garland es dibujada como una víctima de todos, por ejemplo: del grosero público, del nuevo esposo trepador, de los empresarios, del gerente del hotel que ya no le puede seguir fiando o de Louis B. Mayer.
Durante unas cuatro veces a lo largo de la película, aprendemos cosas terribles sobre su adolescencia, desde cómo el estudio la enganchó a las píldoras o le provocó un trastorno alimentario y disfunción sexual, hasta dejar implícito que Mayer posiblemente la violó, pero la película solo da fugaces pinceladas en esa dirección.
Como empieza la película
Al principio de la película vemos a un intimidante e inquietante Louis B. Mayer que está regañando a una pequeña Judy Garland, quien no entiende lo que el poderoso productor y presidente de la Metro-Goldwyn-Mayer le está ofreciendo al otorgarle ser la protagonista de el El Mago de Oz (1939): “Tú no eres como la gente de allá afuera… tu trabajo es crear sueños… con tu voz podrías ganar tu primer millón a los 20 años. Elige ¿o acaso quieres ser una ama de casa?”.
Como todos saben, la pequeña Judy Garland elige Hollywood, una vida en la que el estudio la sometía a:
1. dieta estricta basada en sopa y a 80 cigarrillos diarios para reprimir su apetito (decían que estaba gorda)
2. con jornadas de trabajo hasta el agotamiento
3. una adicción a las píldoras, anfetaminas para trabajar y barbitúricos para dormir.(suministradas por el estudio)
4. También le prohíben las citas, aunque flirtea con Mikey Rooney.
Mediante varios flashbacks, el guion de Tom Edge insiste en la voracidad de Mayer, la Metro y en el punto de vista de que Judy era una víctima.
La decadencia de una estrella
El guión de la película se apoya en revisar y explicar la biografía de Judy desde el punto psicológico de Freud, convertido en un mantra: todo lo que sufrió cuando era niña, destruyó su capacidad para ser un adulto.
Conclusión: una infancia difícil le llevó a cantar algunas canciones borracha, incapaz de afrontar más trabajo de cara al público. Con lo cual tenemos una película para ver a la cantante con lástima por ser culpable ó ella misma ó la maquinaria de Hollywood.
Un desarrollo plomizo y gris
El tema central es perturbador y triste:
El motor emocional que mueve a la actriz es la necesidad de reconocimiento y entusiasmo del público para sentirse bien consigo misma y encontrar la fortaleza de una forma alternativa a su habitual dieta de píldoras y alcohol, pero aparte de este estatus deprimente, no hay un escenario dramático suficientemente poderoso. La lucha por sus hijos aparece muy secundario.
Judy Garland exclamó en una ocasión: "Si soy una leyenda, ¿por qué estoy tan sola?" ... bastante trágico
My Opinion
Hay un retrato de la época crepuscular de Judy Garland con momentos mejores y peores para ella, pero da la sensación de insuficiente.
Tiene una elaboración de filme televisivo.
Y claro, como en todos los biopics que le gustan a la Academia, Renée Zellweger cumple con el rito del actor disfrazado de otro actor.
Es evidente el esfuerzo por imitar el tono de voz, los ademanes, y hasta la mirada de Judy, pero al final estamos en los mismos terrenos de un Rami Malek en Bohemian Rhapsody (Oscar2019), o por ejemplo Gary Oldman haciendo de Churchill en la película Darkest Hour (Oscar 2018).
A pesar del Oscar creo que la película, no es el biopic definitivo de la actriz Judy Garland.
La ganadora del Oscar a la mejor actriz principal pone al servicio de la interpretación todo su cuerpo, más allá de sus tics y sus muecas, dando mucho más de lo que se merece el guion. Zellweger hace digerible ver la película y eso es un mérito bastante más grande de lo que parece.
La película me recuerda al programa de TV "tu cara me suena". También podría decir que a veces me recuerda este tipo de películas a los espectáculos que se montan para fin de curso en los institutos o colegios. Con más medios, más cámaras, más presupuesto, con más profesionalidad, pero nada más.
Para finalizar deciros que no os perdáis la versión de Melody Garbot de "Somewher over the Rainbow"
Película: Sobre el Infinito - About Endlessness - Om det oändliga
Año: 2019
Duración: 76 min.
País: Suecia
Coproducción: Suecia-Alemania-Noruega
Dirección: Roy Andersson
Guion: Roy Andersson
Fotografía: Gergely Pálos
Editores y Monteje: Andersson, Johan Carlsson, Kalle Boman.
Reparto:
Martin Serner, Jessica Louthander, Tatiana Delaunay, Anders Hellström, Jan-Eje Ferling, Thore Flygel, Stefan Karlsson, Bengt Bergius, Marie Burman, Amanda Davies, Karin Engman, Lotta Forsberg, Göran Holm, Lars Lundgren, Stefan Palmqvist, Vanja Rosenberg, André Vaara, Magnus Wallgren
Productora: 4 1/2 Film / Roy Andersson Filmproduktion AB
Género: Drama
Efectos visuales: Premio en el Festival de Cine Europeo de 2019
Sinopsis:
Inspirada en el cuento de "Las mil y una noches”.
La película es, una vez más, la reflexión sobre la vida humana en toda su belleza y crueldad, en el esplendor y en la banalidad ó como indica el título: Sobre el Infinito de lo eternamente humano a la vulnerabilidad de su existencia.
Para ello la película nos invita a ver el contraste de todos los lados de la vida humana, revelándonos el peor lado.
Aunque hay que destacar que para Andersson, ser un humano no es nada fácil, por eso él quiere demostrar que hay belleza en ser un humano y estar vivo.
Premios:
2019: Festival de Venecia: León de Plata - Mejor director
2019: Premios del Cine Europeo: Mejores efectos visuales
2019: Festival de Sevilla: Sección oficial
Introducción (My Opinion)
Las personas que como yo somos aficionadas a visitar Museos, acudiendo puntualmente a las exposiciones de obras de arte pictóricas de artistas emblemáticos, hemos desarrollado una actividad contemplativa. Ya tenemos educadas “nuestras pequeñas células grises” a mirar sin prisas, sin agobiarse, con serenidad. Como las personas que miran el mar lo que coloquialmente decimos: embobados, absortos, capturados.
Cuando por primera vez vi la película “Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia” (2014), si ya se que era tercera entrega de su trilogía sobre el sentido de la vida “Canciones del segundo piso” (2000) y “La comedia de la vida” (2007), pero no había tenido oportunidad de conocer la obra de Roy Andersson hasta esa película. Como iba diciendo cuando vi esa película quedé impactada por lo que ya sabemos, su puesta en escena. Para mi… espectacular, espectacular.
Acabo de ver “Sobre el infinito” (2019). Mi sugerencia es que las películas de Roy Andersson tendrían que ser expuestas en un Museo secuenciados en forma de cuadros. Seguramente son películas que necesitan ser visionadas en un formato diferente al de una sala de cine.
Datos complemento a la película
Ruben Östlund, su discípulo, asegura que en Suecia hay dos bandos: o los seguidores de Bergman o los de Andersson. Y no valen medias tintas. La belleza de sus películas pertenecen a la eternidad
El director Roy Andersson nos sigue ofreciendo cuadros vivientes con gran esfuerzo y laboriosidad.
1. Construye todos sus escenarios
2. Todas sus películas se graban en su estudio. Dónde se crean ciudades
4. Para la película Sobre el infinito se construyó una maqueta de la ciudad de Colonia a escala 1/200
La utilización de la luz, el color y la profundidad de campo
La luz grisácea y los tonos gris-verde-marrón, están en su paleta cromática cuyo pincel remueve hasta lograr un aire de nieve sucia pisoteada en el asfalto.
Extraordinariamente brillante es la utilización de “la profundidad de campo”. Convierte cada escena en detalles donde las matemáticas, el punto de fuga y la tridimensionalidad, son necesarias para componer y comprender infinitas historias humanas.
Ya sabemos que el cine de Roy Andersson es una forma muy peculiar de ver las cosas. De re-interpretar la comedia humana. Y ahí es dónde está picando piedra.
Guioncon voces en off
No es un guion al uso, sino una especie de viñetas (escenas) lo que componen este film, una voz en off nos va comentando lo que está ocurriendo en muchas situaciones como: "Vi a un hombre que tenía la cabeza en otro sitio", "Vi a un hombre que se le estropeo el coche", "Vi a una jefa de una empresa incapaz de sentir vergüenza" etc..
El primer visionado de esta película creemos que no tiene un nexo común que unifique algunas historias con otras, porque la que entendemos con mayor facilidad son varias de las historias del sacerdote, porque cuenta como después de tener la pesadilla de llevar una pesada cruz por una calle donde la gente le fustiga, cree que ha perdido su fe en Dios.
Me encanta este cine tan diferente y experimental con una puesta en escena bastante fría y estática, dónde parece que los actores no se mueven hasta que el director les dice dos veces acción, uno para las cámaras y otro para los actores. Da la sensación de utilizar un imaginario chasquido entre los dedos. También, posiblemente es una técnica del director, para que los espectadores nos concentremos en nuestra respiración, para el siguiente cuadro.
About Endlessness (Sobre el Infinito) llega rebosante de almas perdidas y corazones solitarios. Que hace que la monotonía parezca única, banal y de otro mundo. El director nos ofrece todas estas escenas como por ejemplo...
“Vi a un hombre que se había perdido", dice el narrador. Se refiere un tipo larguirucho y desconcertado que acaba de bajar las escaleras del café del sótano.
"Ya es septiembre", comenta una mujer a su esposo, sentados en un banco en la cima de una pequeña colina mientras están mirando el horizonte de la ciudad. "Hmph", responde, Ambos de espaldas al espectador. Ya es septiembre. Es más tarde de lo que piensan. Se acabó el verano.
"Vi a un hombre que rogaba por su vida" y siguen las historias de El viejo y distraído camarero sirviendo vino tinto sobre la mesa; el hombre arremetiendo contra su esposa en el mercado; el viajero llorando en el autobús porque "no sabe lo que quiere".
En algún lugar de la ciudad, un sacerdote sufre una crisis de fe. Se sienta en la consulta del médico, desolado y desesperado. El médico sugiere: ”Tal vez estar contento, con estar vivo". Este parece ser un buen consejo.
Otros cuadros: Un grupo de adolescentes, espontáneamente, bailan juntas en un café al borde de la carretera; ó un niña que necesita caminar bajo la lluvia para asistir a la fiesta de cumpleaños de un compañero de clase y su padre se inclina para atar los cordones de los zapatos de su hija.
Estas son las cosas en las que las personas deben concentrarse mientras pueden.
La historia del sacerdote
Es un sacerdote católico de mediana edad, que está en lucha consigo mismo al constatar que ha perdido la fe, buscando consejo por primera vez, no en Dios, sino en un psiquiatra. La crisis existencial paralizante de un hombre es importante cuando el otro está mirando el reloj; porque no quiere perder el autobús para regresar a su casa y es más urgente que ser un buen médico.
Esta tensión cotidiana entre preocupaciones sublimes y prosaicas, si no completamente ridículas, es una constante en la película.
Sus escenas son extraordinarias para exponer el desorden de la naturaleza humana en primer plano. En resumen, la humanidad es a la vez interminable, fácil y elegantemente destilada.
La película comienza con su escena fantástica: Colonia en ruinas, con una pareja de amantes entrelazados que flotan sobre los restos de la ciudad, en una suave masa de nubes de color gris paloma. A parte de este inicio en las nubes, huelga decir que el resto de la tesis de la película está más preocupada por la vida humilde que deambula sobre la tierra.
Hay muchas historias y no voy a contar todas.
Roy Andersson es un sueco meticuloso, puntillista cuyos dioramas describen la condición humana. Siempre le ha divertido el puro absurdo de la vida en la Tierra. Sus películas se ríen de las perversidades de la existencia, componiendo viñetas cómicas, viñetas oscuras en las que lo banal y lo épico van de la mano.
La película es corta e infinita. Se acaba en un instante y, sin embargo, parece que podría durar para siempre.
"About Endlessness" es narrado por una joven que habla desde un futuro indefinido (como si se contara infinidad de cuentos) y "recuerda" cada historia para nosotros como si las estuviera alcanzando a ciegas en la oscuridad. "Vi a un hombre con su mente en otra parte", dice mientras vemos a un camarero derramar una copa de vino. "Vi a una mujer que pensaba que nadie la estaba esperando" dice mientras una mujer rubia se baja de un tren y busca al hombre que se suponía, que la esperaría en el andén. “Vi a una mujer que realmente amaba el champán”.
Es una película sobre la naturaleza infinita del tiempo, la ridiculez de los horarios humanos que siempre son buenos para reír.
La inmediatez de cada nuevo momento refuerza la inutilidad del anterior, como por ejemplo, en la parodia donde un hombre a punto de cocinar una buena comida para su esposa se consume con amargura por que un viejo compañero de clase le ignora.
A medida que "About Endlessness" camina los últimos pasos a su conclusión, llegamos a la historia de un estudiante de secundaria que le dice a su compañera de clase: “La primera ley de la termodinámica establece que todo es energía y nunca se puede destruir. Eso significa que tu eres energía, yo soy energía. Y que tu energía y mi energía nunca pueden dejar de existir. Solo se puede transformar en algo nuevo ".
Hay algo hermoso en eso. Y algo sombrío. Pero es la belleza la que le da forma a la desolación, y la desolación que le da a la belleza, su esplendor.
O por ejemplo: A medida que la nieve comienza a caer en una noche de invierno perfecta, un hombre comenta entusiasmado a otro… “¿No es fantástico todo?”“ ¿Qué ? “, El espectador sabe que la respuesta es amarga.
Para concluir deciros que Roy Andersson (Gotemburgo, 1943): “Bastante poco dura la vida como para pasarla de mal humor”
Esta película no ocupará un lugar privilegiado en la filmografía De Brian de Palma, el genial director de El fantasma del Paraíso (1974), Carrie (1976), Los intocables (1987) o La Dalia Negra (2006), por poner solamente algunos de sus títulos más conocidos. Dominó es una simple película alimentaria sobre un tema aparentemente actual (el terrorismo del ISIS, algo periclitado ya por su desaparición real del escenario sirio), repleto de tópicos y clichés que hemos visto demasiadas veces en pantalla.
La película debería tener el aliciente de estar rodada en distintos países europeas (Almería incluida), pero los productores no han arriesgado demasiado presupuesto y esos límites económicos se notan en los escenarios elegidos.
“Christian”, un policía danés y su compañero “Lars” acuden a atender una llamada sobre lo que parece un caso más de violencia doméstica. Pero los gritos no procedían de una mujer maltratada, sino de un hombre que había sido cruelmente torturado y ejecutado. Además, encuentran un alijo de explosivos poco tranquilizador, perteneciente a terroristas islámicos. Los dos policías iniciarán a partir de ese momento una investigación que se encadenará por distintos países, persiguiendo a los miembros del ISIS, autores de distintos atentados. Uno de los dos policías desaparecerá pronto asesinado, dando ocasión al otro a viajar de aquí para allá en busca de su asesino.
La película puede ser definida como un thriller de acción y terrorismo, en el que están presentes muchos de los elementos propios del género. Un agente doble que no se sabe si va o viene, el agente de la CIA poco empático, el policía que se siente culpable de la muerte de su compañero, las persecuciones en la que perseguido y perseguidor sufren parecidas peripecias (e incluso espachurran un cargamento de tomates con muy poco lucimiento), idas, venidas, sospechas y pirotecnia... todo al servicio de un guion poco original, con defectos de montaje, límites presupuestarios, escenas de acción poco elaboradas y un aspecto global apresurado más propio de un director mediocre que del genio muchas veces evidenciado de Brian De Palma, desmotivado y consciente de que el resultado final no iba a añadir mucho lustre a su carrera. Hemos visto demasiadas veces productos de este tipo en tv-movies.
Quizás, entre lo más notable de la película, aunque no lo más imaginativo, sea la utilización de pantallas partidas o el manejo extremo del zoom que remiten al cine de los años 60, recursos camp que ya se utilizaron en la primera versión de El caso de Thomas Crown (1968) y la música de Pino Donaggio -habitual compositor para De Palma- y que también remite a los años 60, el momento de sus grandes éxitos. Son de agradecer algunos toques de humor esparcidos aquí y allí.
En una película apresurada y caótica como esta, resulta imposible valorar el trabajo de los actores. Ni Nikolaj Coster Waldau (uno de los Lanister de Juego de Tronos que aquí ejerce como policía y principal protagonista), ni Thomas W. Gabrielsson, ni Guy Pierce (como odioso agente de la CIA), ni la Van Houten, ponen al servicio de esta película sus cualidades innegables como actores.
La película se rodó en 2017. Surgieron múltiples problemas, tanto en la producción (falta de recursos), como en el montaje (De Palma rechazó en dos ocasiones el resultado final) y, para colmo, durante ese tiempo, el ISIS pasó de amenazar la estabilidad de Oriente Medio, a quedar pulverizado por los ejércitos sirios ayudados por los rusos, para desesperación del Pentágono que todavía no ha terminado de asimilar la situación.Dicho de otra manera: el “momento” de esta película hace ya dos años quedó atrás.
Película que podemos recomendar a los incondicionales de Brian De Palma y a amantes poco exigentes de thrillers de acción.
Production Notes
Runtime: 88 minutes
Directed by Brian
de Palma
Written by Petter
Skavlan
Produced by Michel
Schønnemann and Els Vandevorst
Production Company: Schønne Film IvS
Starring
Nikolaj Coster-Waldau, Carice van Houten
and Guy Pearce
