domingo, 28 de febrero de 2021

Nuevo Orden... de Michel Franco

 



Película: Nuevo Orden
Año: 2020
Duración: 88 min.
País: México
Dirección: Michel Franco
Guion: Michel Franco
Música: Dmitri Shostakovich
Fotografía: Yves Cape
Reparto: 
Naian González Norvind, Diego Boneta, Mónica del Carmen, Darío Yazbek Bernal, Fernando Cuautle, Eligio Meléndez, Lisa Owen, Patricia Bernal, Enrique Singer, Gustavo Sánchez Parra, Javier Sepulveda, Sebastian Silveti, Roberto Medina, Analy Castro
Productora: Co-production México-Francia; 
Teorema, Les Films d'Ici
Género: Drama.  Thriller, Distopía.  Ejército
Sinopsis: En México DF se celebra una importante boda de la alta sociedad mientras en las calles se producen violentas protestas y a medida que avanza la jornada, la tensa situación da origen a un sangriento Golpe de Estado. 
Esta situación de no retorno, el espectador la percibe a través de una joven novia, sus familiares, de sus amigos y de los sirvientes que trabajan para la familia. 
Como si fuera una Radiografía de los diversos estratos de la sociedad de México, la película pretende ser testigo de la venganza de los indígenas contra la élite blanca. Los llamados "White Mexican".


Premios: 2020: Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado, 
2020: Festival de La Habana: Selección oficial largometrajes a concurso, 
2020: Premios Forqué: Mejor película latinoamericana

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La película del director Michel Franco, New Order, plantea una visión sobre la desigualdad económica.
El miedo de las clases altas es que, los más pobres intenten tomar el control de la sociedad de forma violenta. 

En la primera parte de la película Michel Franco presenta la violencia aunque más tarde la deriva lleva a no mostrarla pero si los sonidos que produce. Acontece un hecho violento que cambia la sociedad para siempre.

Michel Franco nos enseña a personajes detestables frente a personajes ingenuos. Los sublevados, todos ellos tienen el gatillo fácil. Buscan venganza y quieren dinero.
Los activistas invaden la mansión como si fueran zombies, se roban joyas y el dinero de la caja fuerte, asesinan invitados y queman coches. Pero Franco nunca explica bien por qué protestan. No existe un discurso intelectual de la revuelta. El director dijo que se inspiró en movimientos como los chalecos amarillos de Francia, en el movimiento Black Lives Matter de Estados Unidos, o en el "estallido social" en Chile ó en diversas ciudades de Europa.

Rolando (antiguo sirviente de la familia) y su esposa enferma viven en una zona pobre de la ciudad y vemos como se encuentran bajo un Estado de Sitio impuesto por un grupo armado cuyo jefe no está claro. 
Marian (la novia) fue secuestrada por ese mismo grupo armado, pero no está claro quién está a cargo de su liberación. 
Su familia, que busca la ayuda de un general para lograr su rescate, termina confundida cuando dos grupos distintos de paramilitares, los contactan pidiendo dinero a cambio de la joven de 25 años. 

La clase alta mexicana parece que sigan teniendo acceso al ejército y los medios de comunicación 
Da la sensación de que las clases altas residiendo en sus condominios son conscientes de que algún día ocurra esta o cualquier otra sublevación.
Los condominios si no diseñan un protocolo de salida por ejemplo por el aire, tipo helicópteros, de momento los coches no lo pueden todo, aunque las imágenes de la p elícula parecen un anuncio de venta de coches con cristales tintados y antibalas para situaciones de sublevación de la ciudadanía, porque si salen de los condominios su vida no tendrá valor.

En las últimas escenas, detrás de los secuestradores y extorsionadores, está realmente el poder de los altos mandos militares. 
Las revueltas de los mestizos y los índios, al final, estarán utilizadas por el Ejército para su propio beneficio estratégico
En Nuevo Orden finalmente no hay ningún orden nuevo: los militares, incluso en la distopía de Michel Franco, aún guardan el monopolio de la fuerza. 

Anécdota

Es curiosa la elección de la pintura abstracta del artista mexicano Omar Rodríguez-Graham titulado "Sólo los muertos han visto el final de la guerra" (Después de Tiepolo, 2019)

Michel Franco 

El director comenta que su película comenzó a escribir el guion en 2014 y en mayo de 2019 finalizó el rodaje con 3000 extras. 
A pesar de los medios utilizados para realizar la película el resultado es discreto aunque permiten conseguir una ambientación apocalíptica. 
Michel en sus entrevistas comentó que para elaborar el guión recordó que "La Revolución Francesa de 1789" se estudia como algo positivo.
“Las revoluciones son así: cuando estallan no hay vuelta atrás y ya no hay espacio para el diálogo” 

Crítica 

No cierra el tema de las luchas sociales
En ningún momento tuve la sensación de ver una película diferente en su ritmo que cualquier serie de zombis con sangre y violencia, disparos y gritos.
En un par de tomas desde el aire, la ciudad de México se ve destruida. Hay coches quemados alrededor del Ángel de la Independencia, cadáveres regados en las calles y algunos grafitis de color verde que nos dan unas pequeñísimas pistas de la inconformidad. 

La película pretende que sintamos empatía con aquellos que lo pasan peor: Que ya no creen en los políticos. Que el desencanto es tal, que todo parece estar a punto de explotar por la fractura social entre ricos y pobres.

Aunque debemos recordar que desde el punto de vista histórico-evolutivo, la voracidad, la sed de venganza, y la estupidez son todas ellas causas de muertes naturales, simples facetas de la condición humana.

New Order es una película sobre el miedo. Miedo al malestar social. 


Recomendación del libro
Nación criminal: Narrativas del crimen organizado y el estado mexicanoHéctor Dominguez Ruvalcaba

El Zarco y Los bandidos de Río Frío en el siglo XIX, los narcocorridos y el tortilla western de los hermanos Almada en el XX, y más recientemente la literatura, la plástica y la cinematografía de creadores como Elmer Mendoza, Luis Estrada y Teresa Margolles develan el sentido y la función social del crimen en Mexico. A diferencia de autores como Fuentes, Revueltas y Paz, para quienes la violencia y el terror expresan cierta esencia de lo mexicano, Hector Dominguez Ruvalcaba sostiene que la criminalidad ha de interpretarse a partir de la incompetencia del Estado y como forma de control social. Pone así al descubierto un México donde las leyes son irrealizables desde la invención misma del país, y donde la criminalidad constituye a la vez rebelión y contención social. He aquí un mundo donde el crimen se imprime en figuras de masculinidad, en cuerpos rotos, en muertos anónimos y excluidos de la memoria, en feminicidios y otras violencias de género. Un mundo que relativiza la corporeidad de la violencia."

miércoles, 17 de febrero de 2021

Las caras de Barcelona. Carrer Ali Bei, 1-2




Las caras de Barcelona Carrer Ali-Bei, 1

La figura es Mercurio, el mensajero de los dioses romanos, con casco alado y el caduceo. Es seguro que el edificio fuera propiedad de algún comerciante, de los muchos que especulaban comprando y vendiendo propiedades en L'Eixample.






martes, 16 de febrero de 2021

IKARIE XB1... de Jindrich Polák

 


Película: IKARIE-XB 1. Viaje al final del Universo
Año: 1963
Duración: 88 min.
País: Checoslovaquia
Dirección: Jindrich Polák
Guion: Jindrich Polák, Pavel Jurácek basado en la novela de Stanislaw Lem autor de "La nube de Magallanes"
Música: Zdeněk Liska
Fotografía: Jan Kalis, Saša Rašilov (B&W)
Reparto:
Zdenek Stepánek, Frantisek Smolík, Dana Medřická, Irena Kačírková, Radovan Lukavský, Otto Lackovič, Miroslav Machácek, Jiří Vršťala, Rudolf De
Productora: Filmové Studio Barrandov
Género: Ciencia ficción. Aventura espacial
Sinopsis:
Estamos en 2163 y la tripulación de una nave espacial busca un planeta que sea más habitable que aquel de donde provienen, La Tierra. 
Por lo tanto la película transcurre en la segunda mitad del siglo XXII, a bordo de la nave espacial Ikarie XB 1 con su tripulación, se dirige hacia la constelación Alfa Centauri para buscar en ella una nueva forma de vida extraterrestre. Aunque el viaje no dura más que 28 meses, cuando la misión llegue a su destino, en la Tierra ya habrán pasado quince años. Las relaciones en la tripulación son magníficas aunque comienzan a ser difíciles cuando se pierde el contacto con la Tierra. Durante el viaje, cuarenta científicos de todos los países aprenden a vivir juntos y afrontan varias aventuras, entre ellas el encuentro con un aparato espacial del siglo XX, la inestabilidad mental de uno de los pasajeros y la aparición de síntomas radiactivos ligados a una “estrella negra”, lo que viene a ser "un agujero negro". Todo ello da lugar al guion de esta película de ciencia ficción.

Comentarios:
Esta película que nos llega desde Checoslovaquia, es una genialidad según los críticos que opinan su injustificado olvido. Puede deberse a que en 1963 existía El Telón de Acero de la URSS, frontera física e ideológica y que fue el emblema de la Guerra Fría después de la II Guerra Mundial. 

Nos tenemos que situar que dos años antes en 1961 Yuri Gagarin fue un cosmonauta y piloto soviético que se convirtió en el primer ser humano en viajar al espacio exterior, logrando un hito importante en la carrera espacial; su cápsula, Vostok 1, completó una órbita de la Tierra el 12 de abril de 1961. Sin olvidar el satélite Sputnik. 

El argumento escogido contenía elementos claramente ideológicos: el futuro es evidentemente descrito como una sociedad socialista ideal, sin capitalistas, sin propiedad privada, el jefe de la tripulación es un ruso.

IKARIE Es una aventura espacial en Blanco y Negro dónde en la primera parte vemos la vida cotidiana de la nave y sus tripulantes, y en la segunda parte propiamente comienza la aventura con muchas sorpresas.

Diseño de la nave y el interior
Faltaban 5 años para la película de Kubrick, 2001 en 1968. Se ha supuesto que Kubrick visionó esta película y se inspiró en el diseño de los interiores de la nave. Incluso dicen que al Ridley Scott le pasó lo mismo.

Aun así necesitaban mucha imaginación para diseñar todos los elementos, porque tampoco disponían de referentes claros en materia de ciencia-ficción. Los detalles de diseño en los pasillos, la iluminación, los trajes de los astronautas, la frialdad de muchas escenas, la nave de reconocimiento.  

Para eso contactaron con el pintor y escenógrafo Zdenek Seydl, que colaboró en el vestuario, y uno de los más importantes pintores surrealistas checos, Josef Istler,para el diseño de las armas. Polák pudo dar rienda suelta a su exigente perfeccionismo: al no disponer de información sobre el programa espacial americano, consultó cada aspecto técnico con en el programa soviético. 

Hace mucha gracia el diseño del Robot Robby al que le dan el papel principal de pinceladas de humor. Se parece al robot de la película "Planeta Prohibido" 

Se habla de la Teoría de la Relatividad Espacial

Detalle del nacimiento del primer bebé en el espacio, como la película 2001 u otra que me encantó:  HIGH LIFE de Claire Denis con Robert Pattinson

Música
Para la banda sonora contaron con Zdeněk Liška, que compuso una partitura muy novedosa, a mitad de camino entre la música y el sound design. Es melancólica pero no es de extrañar. 

Por poner un ejemplo, los rusos no son la alegría de la huerta. Para aclarar un poco la influencia soviética que ejercían en los países del Telón de Acero. 
Además por su cultura tienen prohibido manifestaciones tales como una simple sonrisa, gestos de afecto ni entre parejas ni entre matrimonios. Piensan que otras personas no tienen porqué saber nada de tu vida privada. De modo que las sonrisas y las demostraciones de afectos producen una incomodidad bastante fuerte.

Para la distribución americana Sam Arkoff, como fue su costumbre, manipuló la película, cambió los diálogos y llegó hasta a cambiar el nombre de los autores, Jindřich Polák se convierte en Jack Pollack, Pavel Juráček en Paul Jurist, Ester Kumbrachová en Esther Smith, Zdeněk Liška en Danny List... The Voyage at the end of the Universe.  

En Julio de 2017 salta la noticia de su estreno en España en los cines Renoir de Barcelona y Madrid tras 50 años de espera. La verdad es que no estuve atenta y se me pasó.

Recomendación: 
En la actualidad (año 2021) se puede visionar en la plataforma de FILMIN.
Para todos los públicos.
A pesar de verla en 2021 conserva su espíritu aventurero y su Filosofía de Vida: el Humanismo y las ansias de encontrar algo mejor para el ser humano 

viernes, 12 de febrero de 2021

Mr. Turner... de Mike Leigh

 

Película: Mr. Turner 
Año: 2014
Duración: 149 min. 
País: Reino Unido
DirecciónMike Leigh
Guion: Mike Leigh
MúsicaGary Yershon
Fotografía: Dick Pope
Reparto:
Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Paul Jesson, Martin Savage, Lesley Manville, Ruth Sheen, Roger Ashton-Griffiths
ProductoraFocus Features International, Film4 Productions, Thin Man Films, Xofa Productions
Género: Drama. BiográfiasPintura. Siglo XIX
Sinopsis:
Biografía sobre el pintor británico, J.M.W Turner (1775-1851). Artista reconocido, ilustre miembro de la Royal Academy of Arts.
Mr. Turner vive con su padre y su fiel ama de llaves. Es amigo de aristócratas, visita burdeles y viaja frecuentemente en busca de inspiración. A pesar de su fama, también es víctima de las burlas del público y del sarcasmo de la sociedad. Profundamente afectado por la muerte de su padre, decide aislarse. Su vida cambia cuando conoce a Mrs Booth, propietaria de una pensión familiar a orillas del mar.

Premios:
2014: Festival de Cannes: Mejor actor (Timothy Spall)
2014: Festival de Sevilla: Mejor director, mejor actor (Timothy Spall)
2014: National Board of Review (NBR): Mejores películas independientes del año
2014: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Timothy Spall)
2014: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a Mejor fotografía
2014: Premios del Cine Europeo: Mejor actor (Timothy Spall)
2014: Satellite Awards: Mejor fotografía


Turner (1775-1854) es hablar de una de las mayores figuras de la pintura británica. Desde los 15 años ya formaba parte de la Royal Academy of Arts Es un pintor que dominaba el óleo, la acuarela con un paso antes de que llegara el Impresionismo. Escuela pictórica que floreció en Francia hacia el año 1874 por obra de Claude Monet (1840-1926) y otros artistas.

Mike Leigh, es el excelente director británico que se atreve a relatar la vida de Turner en los últimos años de madurez y sus procesos creativos.  Nos cuenta cómo era su carácter, sus continuos gruñidos similares a los ruidos de los cerdos. Pienso que era una forma de poner límites asustadores a las continuas luchas sociales de la sociedad pictórica del momento. Le aplaudían o le marginabanridiculizándolo sobre todo por sus últimas producciones casi abstractas, reducidas a la mínima expresión.

"Mr. Turneres un recorrido amplio a su biografía, que incluye la relación con su familia, su padre, su criada, y la relación con la viuda Sophia Booth con la que convivió hasta su muerte

La película nos permite conocer su carácter tan complicado, sus procesos pictóricos y su relación con la sociedad británica del Siglo XVIII - XIX

El director Leight durante las 2 horas y media nos presenta un indivíduo, como Mr. Turner, de difícil empatía. Un personaje atormentado, de fuerte personalidad y no muy agraciado, incluso diría más, forzando su fealdad, sin negar su característica figura, conforman un Turner de carne y hueso en el que tratamos de entender sus reacciones, gestos y pasiones.

En ‘Mr. Turner’ es de gran relevancia la fotografía de Dick Pope con la inestimable composición musical de Gary Yershon, sin olvidar la impresionante interpretación de Timothy Spall que está soberbio. 

Recomendación: 

Mi recomendación es para todas aquellas personas que como yo, hemos conocido su obra pero no nos hacíamos una idea de cómo era el personaje. Gracias a esta producción y a la suma de muchos factores o elementos que componen este trabajo podemos situar a Mr. Turner en su contexto humano e histórico.

Mi Opinión de Turner:

En marzo de 2005 tuve la oportunidad de visitar la exposición de Turner en el CaixaForum de Barcelona y quedé fascinada por su obra nada menos que 300 obras. La expectación fue que siendo del siglo XVIII-XIX me parecían muy actuales.

Si ustedes leen cualquier estudio o análisis de la pintura de Turner (y se ha escrito muchoooo) le hablarán de la utilización del color, haciendo una referencia comparativa a los pintores impresionistas tal que Degas, Renoir, Manet ó Monet.  También encontrarán otra definición: El Pintor de la Luz.  

Mi teoría, mi hipótesis es que es el único que gracias a él tomamos conciencia del viento, del aire y sus efectos pacíficos sobre la bruma, de la niebla, la brisa, el agua, el Sol, la luz  hasta el viento de fuerzas extraordinarias como el temporal, la tormenta, el huracán. 

El viento pintado por Turner es darnos cuenta de la lucha constante de los elementos, de la elocuencia de los poderes de la Naturaleza y es por ello que trató de reflejar en sus cuadros el lado más dramático. 

Acabo de encontrarme con una teoría curiosa debido a un trabajo del investigador griego Christos S. Zerefos, sobre cómo los pintores dejaron un registro extremadamente fiel de lo que sucedía en los cielos cuando pintaban paisajes. Los cuadros de Degas o Turner reflejan la cantidad de partículas suspendidas en la atmósfera. Habría que profundizar mucho más para saber si estamos de acuerdo con esta teoría.

Tengo la sensación de que Turner es un descubridor de otros mundos etéreos y que están en este planeta llamado La Tierra. Es consciente de la atmósfera que rodea a la Tierra. Ese espesor de 500km lleno de gases como el nitrógeno, el oxígeno, el helio y el dióxido de carbono, que unido a la fuerza del viento moldean los ríos, los mares y las montañas y porqué no, al ser humano. Así que Turner, es el pintor de lo invisible: La fuerza del viento.

jueves, 4 de febrero de 2021

Alps y Canino... Yorgos Lanthimos


Canino (2009) de Yorgos Lanthimos

Una película de 94 minutos.

Es un experimento que realiza un matrimonio con sus tres hijos. Todos viven en un chalet a las afuera de una ciudad. Los chicos, que nunca han salido de casa, son educados según los métodos que sus padres juzgan más apropiados y sin recibir ninguna influencia del exterior. Creen que los aviones son juguetes o que el mar es un tipo de silla forrada de cuero. La única persona que puede entrar en la casa es Christine, guardia de seguridad en la fábrica del padre.

Recuerda la película surrealista el ángel exterminador de Buñuel. Cine de autor que utiliza la actualización, la adaptación del mito de la Caverna de Platón, minimalista, se hace muy pesada, irritante, tienes una sensación extraña, peculiar ya que los padres convencen a los hijos de que cuando se les caiga el diente canino podrán salir de casa. Ose, eso no va ha ocurrir ya de adultos no se caen los colmillos.

El mito de la caverna de Platón: Solo existen unas cuantas personas que son conscientes de la realidad que vivimos y otras que se sienten cómodos en la ignorancia.

La película tiene tintes de humor negro, propuestas filosóficas e hipótesis de experimento científico (en fin gente que está pallá): que pasaría si el ser humano (encerrado) no tuviera contacto con el exterior. Control de un humano sobre otro ser humano.

Lanthimos es un director que en sus películas nos habla de su preocupación por las comunidades del ser humano, sus defectos, situados en atmósferas de surrealismo, su humor negro, su horror sociológico, lavado de cerebro

El sacrificio del ciervo sagrado de 2017 (The Killing of sacred deer) El enlace a mi crítica en agoradeideas


Alps (2011) de Yorgos Lanthimos

Una película de 93 minutos.

Una enfermera que trabaja por las noches en un hospital se ocupa de atender las necesidades de las familias que han perdido a sus seres queridos. Forma parte de un grupo llamado "Alps", cuyos miembros ofrecen, a cambio de dinero, reemplazar a los muertos en la vida diaria de esas familias. Tiene un grupo de apoyo llamado Alps.

La trama loca, absurda, enfermiza, interesante porque la he encontrado a partir de la crítica que hice de Little Joe y el tema de personas carcasa, recipientes. Es una trama en principio melancólica y triste pero llevado a lo absurdo.

Aquí el tema es la suplantación de personas fallecidas y adoptando el rol del muerto. Son contratados (por dinero, como una empresa) por los familiares que soportan el duelo con alguien que adopta la personalidad del fallecido, conviviendo hasta que la familia o persona cree que ha superado el dolor de la ausencia. Reemplazar a los muertos más queridos.

Las películas de Lanthimos son peculiares en su forma de controlar la cámara y la fotografía. Es un director que instala la cámara como si se tratara de un reality y deja que los actores se tomen su tiempo para que vayan navegando por el guión a su ritmo desde la tragedia más surrealista y perturbadora hasta el humor negro más absurdo.

Las actrices ya son actrices fetiche de Yorgos. La bailarina lo hace muy bien. Parece una propuesta del mundo onírico japonés. Contratar: no lo descarto.

La Jetée... de Chris Marker


Es un cortometraje de 28 minutos de 1962 de ciencia ficción. No es una película al uso, son fotografías que dan una singular consistencia a la narración. Su director Chris Marker la definió como una fotonovela.

El Guion propone un experimento de viaje en el tiempo en el contexto de un París post-apocalíptico tras una guerra atómica. En 1962 se hablaba de la Tercera Guerra Mundial. El mundo es un escenario postapocalíptico y ha quedado devastado. Un grupo de científicos del bando vencedor llega a la conclusión de que el único modo de salvar a la humanidad es recurriendo a los viajes a través del tiempo: o bien mandar a una persona al pasado para pedir ayuda, o al futuro para buscar una solución a la situación presente. El elegido para realizar el viaje a través del tiempo (soñando) es un prisionero.

El voluntario, ya que tiene que viajar en el tiempo, decide resolver el enigma que él tiene desde su infancia y es una imagen a la que quiere volver con obsesión. Se trata de una mujer que de pequeño, al verla quedó prendado, fascinado. Segundos antes de la catástrofe, un niño que pasea con su mamá ve en el aeropuerto de Orly a una mujer muy hermosa. Su recuerdo -el último de la infancia- le acompañará ya por siempre, como una obsesión (él, muchos años después, no ha vuelto a ver a esta mujer ni sabe su destino: tras combatir en la guerra, permanece preso en los subterráneos de un París devastado).

Al final el film se concreta en una historia de amor sublime: el encuentro, o reencuentro, de dos almas en los bucles del Tiempo. Salvar al Mundo, para el prisionero pasa del tema, no es lo más importante.

Singular film de ciencia-ficción francés, que inspiró la conocida película estadounidense "12 Monos" (1995) de Terry Gilliam

Hay 3 elementos importantes en la película: La fotografía, la Banda Sonora y la Voz en off. Evidentemente se asume el guión y el montaje , en fin el corta y pega.

La banda sonora está compuesta por Trevor Duncan y es importante por los elementos que utiliza como son: unos coros épicos, partituras sinfónicas con pinceladas perturbadoras y tenebrosas que sirven para acompañar la voz hipnótica del narrador francés.

“Nada diferencia los recuerdos de los momentos habituales. Sólo se dan a conocer cuando muestran sus cicatrices.”
( La jetée )

Los recuerdos son cicatrices de nuestra vida.

"Ella parece acostumbrarse también. Acepta como un fenómeno natural las maneras de su visitante que viene y se va... que existe, charla, se ríe con ella... se calla, la escucha, luego desaparece."

La Fotografía es de Jean Chiabaud

lunes, 11 de enero de 2021

Little Joe de Jessica Hausner


Película: Little Joe

Año: 2019

Duración: 105 min.

País: Austria

Dirección: Jessica Hausner

Guion: Géraldine Bajard, Jessica Hausner

Fotografía: Martin Gschlacht

Reparto: 

Emily Beecham, Ben Whishaw, Kit Connor, Leanne Best, Kerry Fox, David Wilmot, Goran Kostic, Andreas Ortner, Andrew Rajan, Sebastian Hülk, Lindsay Duncan, Phénix Brossard, Yana Yanezic

Productora:

Co-production Austria-Reino Unido-Alemania; Coop 99, The Bureau, Essential Filmproduktion

Género: Drama. Fantástico. Sobrenatural. Drama psicológico

Sinopsis:

Alice es una investigadora en una empresa que busca desarrollar nuevas especies de plantas. Es madre soltera y responsable del diseño de una planta bellísima de gran impacto. Una planta de cinabrio que si se encuentra en las condiciones óptimas, garantiza la felicidad. Un día, Alice decide ir en contra de las normas de su empresa y lleva una planta a Joe, su hijo. Ambos la bautizan como "Little Joe" ("Pequeño Joe"). A medida que crece, Alice comprende que su creación está resultando perturbadora en las personas que le rodean, no parecen ser ellos mismos. 

Premios: 

2019: Festival de Cannes: Mejor actriz (Emily Beecham)

2019: Festival de Sevilla: Sección oficial


Que temas me plantea la película al terminar de verla:


1. Películas dónde los humanos son abducidos por sustancias.

2. Personas carcasa: Son personas cuyo cuerpo físico es una carcasa, dónde el alma está ausente. Reconocemos el exterior pero el alma que nos era familiar ha desparecido. Se comportan como se espera de ellos sin embargo no son ellos. 

3. Personas recipientes, impostoras

4. Paradógicamente asistimos al éxito de la casa Disney The Mandalorian. Un hombre con armadura y máscara. No vemos su rostro y si su alma, sabemos que es él. Lo reconocemos. 

5. Las parejas, los matrimonios lo notan, cuando el partenair está enamorada de otra persona, se encuentra tan abducido, tan ausente que no los/las reconocemos.

6. Otro tema que nos propone la película es La invasión Happy Flower

7. Películas zombis o de abducidos como referente a esta idea que propone la directora Hausner: 


- 1953 Los Invasores de Marte

- 1955 Quatermass 2

- 1956 La invasión de los ladrones de cuerpos

- 1975 Vinieron de dentro

- 1978 La invasión de los ultracuerpos 

- 1982 La Cosa

- 1987 Hidden. 

- 1988 Están vivos

- 1988 Sociaty

- 1993 Secuestradores de cuerpos

- 1993 Body Snatchers

- 1998 The Faculty

- 1999 La cara del terror

- 2019 El año de la plaga 

- 2019 Little Joe


Guion


El guión de la película es una colaboración entre la directora Jessica Hausner y Géraldine Bajard. 

Aporta los siguientes aspectos:

1. Cuestiones morales sobre la Ingeniería Genética

2. Recuerda a la serie Black Mirrow

3. Es una película coreografiada por la cámara, la cámara baila con los actores

4. Importante la Fotografía y su director que es Martin Gschlacht

5. Los colores, la importancia del color rojo que arrastra la historia hacia el amor o el peligro

6. El diseño de vestuario es responsabilidad de Tanya Hauser, hermana de la directora

7. Película es muy visual dónde vemos una estudiada y cuidada utilización de las herramientas en el arte visual.

8. Sentimos que el terror se va a hacer visible en un instante. 


Anécdota


La directora austriaca tuvo unos padres que le transmitieron su amor por el arte, tanto que se pasaron 3 días visitando El Prado de Madrid. 

Según palabras de la directora en una entrevista en Barcelona a la pregunta de la maternidad y sus responsabilidad afirma que en Austria y Alemania es tabú amar a otras “cosas” que no sea a tu hijo. El hijo debe estar por encima de cualquier otra vocación para la madre, ya sea el trabajo, el arte, la cultura, la amistad, los viajes, etc. Creo que la cultura japonesa, y a poco que se viaje por el mundo, sucede lo mismo.


La invasión Happy Flower

 

El negocio de la Felicidad ó la Invasion de la Ultrafelicidad, obtenida a partir de lograr la deshumanización. 

No es tan “raro” el trabajo que se realiza para tener una “Fachada”. Una herramienta que nos esforzamos (el ser humano) para protegernos. Aunque nos comprime y nos ahoga el alma

La fachada de personalidad, es una manera de actuar según se espera de nosotros para encajar con los demás, necesarios para convivir socialmente

El tema o piedra angular en que se basa la película de Hauser es el perfume, un aroma determinado que desprende la flor. 

Película que viene muy bien a los fans de las Conspiraciones, ya que vemos las decisiones salvajemente inmorales de las compañías al poner en el mercado conscientemente, productos defectuosos o no testados y los daños colaterales. El mercadeo empresarial y la falta de escrúpulos. 


Música


La música es de Teiji Ito, músico japonés que compuso en 1971 para su álbum Watermill que sirvió la actuación del ballet de danza de Jerome Robbins

La recomiendo por que me parece un apunte perfecto para hablarnos del momento actual sobre las redes sociales. La necesidad de mostrar nuestra felicidad a los demás haciendo que nos relacionemos de forma superficial. El dolor se oculta. 

El único fallo que a mi parecer es relevante, es el final. Lo encuentro que no está a la altura de toda la película. Da la sensación de agotamiento y parece que la directora llega a la meta deshidratada como un corredor de atletismo.

martes, 8 de diciembre de 2020

Nieva en Benidorm... de Isabel Coixet


Película: Nieva en Benidorm

Año: 2020

Duración: 117 min.

País: España

Dirección: Isabel Coixet

Guion: Isabel Coixet

Música: Alfonso de Vilallonga

Fotografía: Jean-Claude Larrieu

Reparto: Timothy Spall, Sarita Choudhury, Pedro Casablanc, Ana Torrent, Carmen Machi, Édgar Vittorino, Leonardo Ortizgris, Marc Almodovar, Kiva Murphy

Productora: El Deseo (Pedro AlmodóvarAgustín Almodóvar y Esther García), RTVE, Movistar+, entre otros. 

Género: Drama. Thriller

Sinopsis: Peter Riordan es un hombre solitario, maniático y metódico, obsesionado por los fenómenos meteorológicos. Cuando le dan la jubilación anticipada en el banco de Manchester en el que ha trabajado toda su vida decide visitar a su hermano, Daniel, que vive en Benidorm. A su llegada a la ciudad descubre que su hermano ha desaparecido y que éste era propietario de un club de burlesque donde trabaja Alex, una misteriosa mujer que ejerce una poderosa fascinación sobre él. Peter y Alex intentan averiguar qué ha sido de Daniel, ayudados por una policía obsesionada por la presencia de Sylvia Plath en los años cincuenta en Benidorm.


Premier: 2020 Festival de Valladolid - Seminci: Sección Oficial (Fuera de competición)