Guión: Juan Manuel De Vega Reparto: Edduardo Viera, Esther Acebo, Fernando Cayo, Assumpta Serna, Bernabé Fernández Fotografía: Jorge Roig
Directora de Arte: Lucía Martín
Productora / Production Company: Huaorani Films, Mono con Pistolas Producción / Production: Fernando J. Monge, Nestor Ruiz Medina, Edduardo Viera Montaje: Nestor Ruiz Medina Sonido: Roberto HG Música: Marcos Cruz
Lugar de rodaje: Madrid, Alcalá de Henares Género: Ficción Sinopsis:
Un aspirante a actor sufre un dolor incalculable al convertirse en el hazmerreír de su clase debido a la estrecha relación que mantiene con su madre. Aprenderá que ese dolor es una herramienta fundamental para convertirse en mejor actor, pero… ¿a qué precio?
Premio al mejor cortometraje otorgado por el Primer Festival de Cine Negro y Policíaco de Lloret de Mar. (Diciembre 2022).
Mi opinión:Son métodos de catarsis muy violentas y extremas, que al terminar la clase o un casting te abandonan como si lanzaran una bolsa de basura por la ventana. Ya no les interesas, a partir de ese momento eres invisible hasta que te vuelvan a ordeñar.
Biofilmografía :Nestor Ruiz Medina
Director y director de fotografía, termina sus estudios audiovisuales en el año 2010. Entre sus trabajos destacados como director encontramos Baraka, cortometraje nominado a los Premios Goya y seleccionado en el Festival de Tribeca. En 2019 ha dirigido cortometraje El Método y la dirección de fotografía del cortometraje Ferrotipos producido por Huaorani Films. Ahora mismo se encuentra inmerso en el desarrollo de lo que será su primer largometraje, Unfollow.
Premio al mejor cortometraje otorgado por el Primer Festival de Cine Negro y Policíaco de Lloret de Mar.
Este actor nació el 4 de octubre de 1956 en Viena, Austria. De padre alemán y madre austriaca. Actualmente está nacionalizado alemán. Residir no reside ni Austria ni en Alemania sino en Londres y con un inglés impecable.
Y porqué lo comento porque una de las cosas que más llama la atención de este actor de 64 años de edad es su versatilidad en la pantalla y los idiomas que domina, lo que lo convierte en una pieza muy valiosa cuando se trata de rodar escenas en un idioma distinto al inglés.
Sí, Christoph Waltz habla alemán, inglés, francés, un poco de italiano, otro poco de esloveno y húngaro. Ventajas de ser de un país pequeño, como Austria que a dos o tres horas en coche te ofrece todos estos idiomas.
Su predilección por el teatro y el cine le viene de familia pues es hijo de los decoradores Elisabeth y Johannes Waltz, aunque sus abuelos sí que fueron actores. Así que podemos afirmar que fue casi actor desde la cuna, con una larga tradición de artistas en su familia que se remonta hasta sus bisabuelos.
Estudió actuación en el Max Reinhardt Seminar, en Viena y luego se mudó a Nueva York para estudiar en el Lee Strasberg Theatre Institute, aunque de ahí fue a parar al Actor’s Studio neoyorquino.
Su carrera finalmente empezó como actor de teatro en escenarios como, por ejemplo, en Zurich, en Austria y hasta estuvo en el Festival de Salzburgo.
Del teatro pasó al cine con un total de más de 50 películas en la actualidad. Aunque no fue hasta el 2009 cuando ganó reconocimiento mundial gracias a su actuación como el implacable Hans Landa en la cinta Bastardos sin gloria. Este papel le hizo ganar un Óscar, un Globo de Oro y un Bafta, entre otros. También ganó el Óscar al Mejor Actor de Reparto por su trabajo Django sin cadenas (2012), ambas producciones de Quentin Tarantino.
Entre sus aficiones tiene predilección por la ópera y los musicales.
Cualidades a destacar como actor
Cuando Quentin Tarantino estaba trabajando en Bastardos sin gloria, él y su productor se estaban volviendo locos, porque no encontraban a un actor que fuera capaz de hablar alemán, francés, inglés e italiano como lo hace el personaje de Landa en la película. Cuando Christoph Waltz estuvo ante ellos, supieron que era perfecto, ideal.
Me ha hecho gracia la anécdota de una periodista que le entrevistó que para describir a Waltz y comentó lo siguiente:
Una pena que los vendedores de enciclopedias a domicilio hayan desaparecido. Otra víctima más de la era digital. No es que los eche de menos, pero esa cortesía sin límites, llena de adulaciones y galanterías, unida a ese pie en la puerta, forzando su entrada a tu domicilio pero siempre con una sonrisa, ese comportamiento educado, de verborrea imparable pero rayando la violencia, es el que se me viene a la cabeza cuando coincido con Christoph Waltz. La descripción es tremenda.
A Waltz no le gusta la cultura del selfie. Le incomoda... Dice: La gente, por lo general, acepta mi negativa a hacerme fotos, porque siempre hay quien no entiende que no quiero estar en su Instagram.
A Waltz no le gusta hablar con la prensa. Sobre todo de su vida personal aunque tiene claro que hablar con los medios es algo que viene con su sueldo de actor. Así pues, en las entrevistas actúa. Además como tiene una labia un rato largo, es una de esas especies al borde de la extinción en Hollywood que no necesita muletillas ni dejes al final de cada idea, capaz de construir frases con sujeto, verbo y predicado y de mostrar un extenso uso de vocabulario quitándole el polvo a todas las palabras esdrújulas que conoce.
En Bastardos sin gloria es fácil ver en Waltz a ese militar increíblemente educado y capaz de seducir a sus víctimas con sus palabras y sus modales, incluso cuando les está diciendo que les va a mandar a una muerte segura. Podría hacerlo sin perder ni la sonrisa ni la elocuencia.
De entre sus mas de 50 películas me gustaría destacar la película Big Eyes y Carnage.
En Big EyesChristoph Waltz parece nacido para el papel, una persona de lo más agradable, que le cae bien a todo el mundo y se deja querer pero que a su vez es un retorcido manipulador. Un gran trabajo, un tanto histriónico pero que Christoph Waltz pone todas sus cualidades dando vida a un marido sin escrúpulos que convierte en locura lo que tendría que ser mezquindad.
El peso principal de la película lo lleva junto con la magnífica actriz Amy Adams.
Christoph Waltz sigue demostrando ese carisma sin límites y esa capacidad para acometer todo tipo de personajes, aunque parezca empeñado en acumular villanos en su curriculum.
Carnage, del director Roman Polanski de 2011
Polanski se atrevió con la comedia en la película Carnage titulo en español Un dios salvaje
Un dios salvaje es, para que se hagan una idea, una sitcom televisiva transformada en largometraje con dos simples matrimonios: los Cowan, con Christoph Waltz como cínico hombre de negocios y Kate Winslet como pija reprimida y los Longstreet, con una Jodie Foster como fanática activista y su marido florero.
El guión se centra en el cinismo de las apariencias, instaladas en las costumbres de las relaciones sociales. Consigue que un pequeño incidente destape al "dios salvaje" que todos tenemos.
Cuando llega el momento de la exagerada desinhibición alcohólica con una trepidante verborrea. Hay un cambio brusco, que es causa de un estancamiento en la conversación muy de agradecer tras más de una hora de injurias cruzadas.
Despedida
Bueno nada más sobre este actor fenomenal, carismático y que esperemos siga en su línea de hacer siempre un trabajo rozando la excelencia.
Marta Etura, Francesc Garrido, Carlos Leal, Agustina Leoni, Daniel Rohr, Pino Montesdeoca, Jörg Reichlin, Werner Biermeier, Petra Zurfluh
Productora:
Coproducción España-Suiza; Arnold Films, 89 Productions, Orisono Productions
Distribuidora: Begin Again Films
Género: Romance, Drama romántico
Sinopsis:
Olivia Brontë, una estrella de cine que trabaja en Hollywood, y Tristán del Val, un reconocido filósofo español, se reencuentran fortuitamente en un hotel en Suiza después de diecisiete años sin contacto. Este reencuentro les llevará a revisar el pasado y preguntarse a dónde les lleva el camino que escogieron.
Temas que se tocan: Indefinición del éxito, la felicidad y el sentido de la vida.
El drama romántico explora los diferentes temas de carácter existencial, el sentido de la vida, el peso del tiempo, el fracaso constante en la búsqueda de la felicidad ó la idea del éxito.
La trama de los personajes es llegar a ver cómo gestionan las dos ideas antagónicas de la felicidad: la ideal (utópica) o la real.
Olivia es el prototipo actual del éxito y la felicidad. Dinero, fama y familia. Aparentemente toda su vida es perfecta.
Tristan es todo lo contrario de Olivia. Es alguien admirado por su intelecto.
Es solitario y potencialmente frustrado por vivir de forma completamente coherente con sus principios.
A medida que seguimos a los personajes en su estancia en Suiza descubrimos que:
Olivia esta sumida en una depresión sonriente que refleja un éxito superficial pero que sólo sirve para enmascarar sus miedos y una profunda tristeza.
Por su parte Tristan expresa su infelicidad y su hastío de forma natural. Vive con la idea de que el dolor es necesario para tener un propósito en la vida. Sin embargo, si no hay propósito, todo carece de sentido.
Son las dos caras de la misma moneda y se desconoce hasta qué punto desean aprender el uno del otro gracias que han tenido recorridos diferentes desde que se olvidaron el uno del otro hace casi 20 años.
Son el reflejo de una sociedad que vive el espejismo de la perfecta vida ideal con una realidad, que se descubre monótona y depresiva.
La pregunta es ¿Viven en un mundo real o en uno ideal?
Mi opinión:
Me llama la atención por cómo me recuerda el que: las frustraciones tanto del personaje femenino como del masculino están dispuestos a infringirse heridas emocionales por las decisiones defendidas como verdades.
Me ha venido la imagen de un Iceberg como ejemplo del yo (un recurso psicológico muy socorrido, como las puestas de sol).
Imaginemos que lo pisamos con fuerza para hundir la parte más sobresaliente del yo, ejerciendo una titánica presión, en este supuesto, con palabras, con argumentos hirientes.
Es evidente que al levantar el pié el iceberg se elevaría con una fuerza descomunal por encima del nivel del mar. Es entonces cuando veríamos la parte del yo más oscura que hasta ese momento estaba oculta.
Evidentemente no puedes vaciar un océano tirando del tapón.
La frustración es una emoción universal como el miedo, la tristeza ó el odio. Siempre se echa la culpa a alguien.
La Olivia joven, según ella, terminó, se escondió y renegó de Tristan porque supuso que le haría sombra y la realidad es que dejó que diseñaran su vida milimetricamente otras personas, otras responsabilidades. Hacemos una pataleta pidiendo libertad
Con respecto al trabajo del director Joan-Marc Zapata, los guionistas él mismo junto con Lluís Van Eeckhout. La Música: Nick Zwetzich con Wagner, Nina Simone. La Fotografía:Alex Pizzigallo y la Directora de Arte: Elisabeth Herzog, con esa elección perfecta de colores azules casi negros con naranjas y ocres.
En fin por nombrar unos pocos de todas las personas y equipos que se leen en los créditos… es para felicitarlos muy efusivamente.
La medida de la película es lo siguiente a 4:3
Dominan muy bien los idiomas pero me da que lo personajes podrían, rizando el rizo, que podrían haber tenido el acento de inglés americano propio de Brooklyn y de Los Angeles.
Importante la referencia a lo bello para olvidar el dolor de la vida.
Me llevo algo tan simple como el ejemplo del cigarrillo como explicación del valor de nuestra existencia.
En fin que me ha encantado sobre todo el baile final.
Ingvar Eggert Sigurdsson, Elliott Crosset Hove, Victoria Carmen Sonne, Jacob Lohmann, Ída Mekkín Hlynsdóttir, Waage Sandø, Hilmar Guðjónsson
Productora:Coproducción Dinamarca-Islandia-Francia-Suecia. Snowglobe Films, Join Motion Pictures, Maneki Films, Garagefilm International, Film I Väst
Género:Drama. Siglo XIX. Religión
Sinopsis
A finales del siglo XIX, un joven sacerdote danés llamado Lucas, llega a Islandia con la misión de construir una iglesia y fotografiar a sus habitantes. Una isla entre Noruega y Groenlandia.
Lucas como joven sacerdote es ambicioso y con ideales. Pero estos ideales, cuando se enfrentan a algo tan implacable y extraño, se vuelven irrelevantes. Muy rápidamente son aplastados por la realidad de la vida y la ley de la naturaleza. Lentamente se da cuenta de que somos muy pequeños y que solo estamos aquí por muy poco tiempo.
Premios: 2022: Festival de Cannes. Sección oficial de largometrajes (Un Certain Regard)
Introducción
La película está inspirada en 7 fotografías históricas tomadas por un sacerdote danés.
Enfrentarse a un visionado como el de la película Godland de 2:23h se ha de tener mucho aguante por lo exigente de su visionado. Sólo hay que ver la película con la paciencia que exige cualquier viaje.
Godland está ambientada en el período en que Islandia estaba bajo el dominio danés. Hay que recordar que no fue hasta el 17 de Junio 1944 que Islandia se independizó de Dinamarca. Esta película está situada mucho antes de esa fecha, hacia el siglo XIX.
El director Hlynur Pálmason nació en 1984 en Islandia. Cursó estudios en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca. Vive y trabaja entre Islandia y Dinamarca con su esposa y sus tres hijos. En una entrevista, el director islandés, tuvo oportunidad de contar algunos aspectos importantes de la película.
Su trayectoria se ha dividido entre dos países muy diferentes y antagónicos. Aunque los dos le han moldeado a fuego, como entender su vida. Es por ello qué se veía capaz de explorar las diferencias entre los dos países: el paisaje, los temperamentos, el idioma. Sobretodo sus sentimientos, sus deseos, las necesidades básicas y primitivas, todo ello por cómo aparecen, cuándo se enfrentan estos dos países. Tanto en el pasado como en la actualidad.
Afirma que a pesar de las diferencias, todos compartimos el mismo destino de ser mortales y convertirnos en tierra.
Pálmason diseña y guioniza al personaje de religioso Lucas. Es un extranjero, un extraño en la dura tierra de Islandia que conoce muy poco y cuyo idioma no habla. La película comienza enfrentando a este hombre con la naturaleza. Luego, cuando profundiza, este conflicto comienza a desarrollarse entre el sacerdote y el guía de la expedición y se convierte en una especie de historia de hombre contra hombre. Al final, vemos que la lucha de Lucas es contra él mismo.
La película se dividió en dos partes: la primera es la parte del viaje y la segunda parte es la llegada al lugar donde construyen la iglesia.
Lucas, es en principio el portador de luz, un joven y ambicioso hombre de conocimientos e ideales, que llega a esta tierra extranjera y se encuentra con una naturaleza que poco a poco lo despoja de todo y lo vence.
Ragnar el guía, siendo un hombre mayor, es un hombre que obviamente se siente muy a gusto en la naturaleza salvaje de Islandia. Pero en la segunda parte de la película, está fuera de su elemento y vemos que también está luchando con sus pensamientos y este temor de Dios que a menudo estaba arraigado en personas durante esos tiempos de descanso. Su nombre recuerda a Ragnar Lodbrok, un rey nórdico que existió 800 años D.C. según las Sagas islandesas.
El director ha puesto un gran esfuerzo en retratarlos a ambos como seres humanos; no ha querido que nadie fuera simplemente bueno o simplemente malo. No ha querido que sintiéramos a Ragnar como una especie de amante de la naturaleza al estilo zen o a Lucas como un sacerdote religioso fanático. Aunque vemos que la Religión es estandarte para definir las barreras entre civilización y barbarie.
Formato de la película
La formato de la película 4:3, formato de los inicios del cine.
El marco de la película, es muy cercano a las fotografías que realiza Lucas a todas las personas con las que se cruza. Un proceso de placa húmeda de colodión, exposición y revelado que reemplazó al daguerrotipo alrededor de 1860.
Es interesante que el personaje de Lucas esté durante mucho tiempo mirando a todo el mundo. Aunque llegado un momento descubrirá una sensación de, como si alguien finalmente lo estuviera mirando.
Las imágenes estacionales del glaciar se filmaron durante más de dos años.
Ultimas Notas
Tenemos que sentirnos pequeños ante la impresionante Naturaleza en lugares hinóspitos. Islandia nunca puede ser conquistada.
El guión es sencillo como un western:
viaje por territorios peligrosos con una misión
la vida y la muerte están jugando a los dados a cada segundo.
conflictos de poder entre los hombres
llegar a un destino en medio de la nada y abandonado de la mano de Dios.
el forastero que llega al pueblo y despierta el interés de una mujer
El cura danés luterano y la incomprensión en comunicarse con los islandeses está lleno de problemas, tensión y gestos rudos. Mala opinión de unos on otros:
Que llega a un pueblo pequeño y que pretende alterar las costumbres consiguiendo la desconfianza hacia lo extranjero.
El cura diplomático, a la vez cobarde y arrogante frente al guía de la expedición Ragnar (Ingvar Sigurdsson) todo un símbolo de entereza humana.
En definitiva un cura que se descubre estúpido por querer doblegar la realidad.
Se siente soberbio cuando su idioma danés lo considera superior al islandés.
Un cura que tiene un lado salvaje que disimula bajo la fachada de la piedad y la fe.
Lucas y Ragnar. Sus caracteres chocan porque el viaje por la naturaleza de Islandia para el cura, está siendo llevado a un estado de ebullición, de pataleta, de infantilismo, con sus quejas, sus tropiezos. Frente a Ragnar que conoce, escucha y negocia con la naturaleza de la Isla. El sabe cómo respetar las leyes de la naturaleza con admiración y controlando el miedo.
Lección visual y sonora de vida:
La fotografía de María von Hausswolf tiene mucha importancia en la película porque su trabajo es muy relevante:
la descomposición de los animales
el paso de las estaciones
la manera en el que se disuelve el hombre en la naturaleza hasta desaparecer
El Director de sonido hace un trabajo genial. El sonido de los caballos y la caravana de hombres es como si comieran y como si masticaran la tierra. El suelo virgen por donde transcurre la aventura. Me he acordado de los sonidos ASMR: sensación física y psicológica que aporta calma y tranquilidad a quien lo experimenta. La banda sonora es muy escasa. Suena un poco como el viento.
In my opinion
Podría ser perfectamente una película de Werner Herzog. Director alemán que frecuentemente dibuja protagonistas con sueños imposibles, peleados con la naturaleza ó personajes muy carismáticos con talentos muy peculiares que se desenvuelven en situaciones muy oscuras.
Película: Crímenes del Futuro. Crimes of the Future
Año: 2022
Duración: 107 min.
País: Canadá
Dirección: David Cronenberg
Guion: David Cronenberg
Música: Howard Shore
Fotografía: Douglas Koch
Reparto
Viggo Mortensen, Léa Seydoux, Kristen Stewart, Scott Speedman, Welket Bungué, Don McKellar, Lihi Kornowski, Tanaya Beatty, Nadia Litz, Yorgos Karamihos, Yorgos Pirpassopoulos, Denise Capezza, Ephie Kantza, Jason Bitter
Productora:
Coproducción Canadá-Grecia-Reino Unido-Francia; Serendipity Point Films, Argonauts Productions S.A, Ingenious Media, Téléfilm Canada, Bell Media, Canadian Broadcasting Corporation (CBC), Ekome, The Harold Greenberg Fund
Distribuidora: VerCine, Metropolitan Filmexport, Vertigo Film.
Género: Ciencia ficción. Fantástico. Terror
INTRODUCCION
Pirados hay en todas las épocas. Y en el futuro parece que habrá más. Hoy se cree que en 10 años el número de ciudadanos que precisará asistencia psiquiátrica alcanzará el 40% del total. Esta película nos introduce en ese mundo en el que algo se ha vuelto loco. La locura y todo lo que la acompaña formará parte de nuestra “nueva normalidad”. Tal es la tesis de esta última película de David Cronenberg que merece un comentario por lo que tiene de profética, pero también de denuncia.
En realidad, hoy estamos asistiendo ya! a esta mutación social. Nada de lo que guioniza Cronenberg es inhabitual después de la pandemia.
A efectos narrativos, el director proyecta las tendencias sociales actuales dentro de un futuro, donde esas tendencias se presentan como muy extremas, como muy radicalizadas. Pero, no nos engañemos: son las que hoy están ya naciendo en todo el mundo.
SINOPSIS CON SPOLIERS
La película nos situa en un mundo decadente, distópico y perverso, pero esto no parece preocupar mucho a los protagonistas, “Saul Tenser” y “Caprice” que han sabido adaptarse a los nuevos negocios de la época. “Tenser” es un artista: realiza performances corporales. Él tiene la capacidad de generar por sí mismo órganos absolutamente inservibles pero que son presentados como “obras de arte”. A esto se le llama “síndrome de evolución acelerada” que afecta solamente a algunos individuos. Frente a su público, “Tenser” hace que le extraigan esos órganos.
Mientras tanto se ha producido un grave incidente: una madre ha matado a su hijo, ya que le es insoportable verle comer plásticos. El niño había desarrollado un sistema digestivo que transformaba cualquier plástico en comestible.
La solución definitiva para el problema de los residuos plásticos: que el usuario se coma su propia basura plástica. Detrás de este episodio se encuentra una sociedad secreta que aspira a que todos los humanos tengamos esta capacidad de procesar los plásticos y cualquier otra que pueda ser evidencia de una aceleración de la evolución humana.
Lo sorprendente es que las “performances” de “Tenser” y de su esposa Caprice (diseñadora y cirujana que le extrae los órganos inútiles generados por su marido), cada vez que él genera un órgano o ella se tatúa escarificaciones corporales, parecen experimentar algo parecido a un orgasmo. De hecho, los espectáculos que realiza la pareja son admirados por voyeurs.
Hay un trasfondo sexual en todo esto. Incluso la cama sobre la que duerme “Tenser” tiene forma de útero materno, un software especial le sirve para obtener nutrientes y fármacos y un hardware detecta el crecimiento y la forma de los nuevos órganos producidos. En un momento dado, uno de los personajes pronuncia la frase clave: “la cirugía es el nuevo sexo”. Y así parece porque las “performances” de “Tenser” interesan en la sociedad acomodada y logra que las entradas estén agotadas mucho antes de producirse el espectáculo de la extracción del órgano.
Un destartalado Registro Nacional de Órganos, intenta realizar un censo y controlar este tipo de mutaciones. Dos burócratas “Wippet” y “Timlin” muestran un interés particular por “Tenser”. Hay que decir que estos “órganos”, en realidad, son formaciones cancerígenas, multiplicación de células independientes de cualquier otro órgano.
A la vista de que las “performances” y el asunto del asesinato del niño que comía plástico, han generado inquietud social, Tenser piensa en dar el golpe definitivo y realizar una actuación más rompedora y espectacular.
Tal es el eje central de la película.
MI OPINIÓN SOBRE LA PELÍCULA
El ambiente en el que se desarrollan todas las escenas es, simplemente, desolador: las habitaciones, los escenarios, la oficina del Registro Nacional de Órganos, son siempre sórdidas, abandonadas y en estado ruinoso. No hay excesiva originalidad en esto. Cronenberg ha recuperado la estética de los relatos cyber-punk (máximo desarrollo tecnológico en medio de escenarios decrépitos y miserables). Hay progreso técnico, pero la sociedad parece haberse desplomado interiormente, cualquier sensación de orden, de estabilidad, de normalidad, de ecologismo, se ha perdido. Nada es verde, sano, puro, transparente. Todo es oscuro, los desconchados en las paredes sustituyen a cuadros y ventanas, las humedades a la luz del sol.
La primera sensación que se siente al ver aparecer en escena Viggo Tortensen es que algo no termina de encajar: por algún motivo no explicado, va vestido permanentemente con un hábito negro, modelo ninja o, también, estilo franciscano medieval, con capucha y todo. Tengo unas risas por acordarme del inolvidable “Igor” de El Jovencito Frankenstein de Mel Brooks. Es el aspecto más infumable de la cinta.
Sigamos con los elementos poco afortunados de una película afortunada. Otro de los elementos involuntariamente caricaturescos es la silla en la que se sienta “Tenser”, que recuerda los mobiliarios diseñados por Gaudí, huesos articulados, columnas vertebrales para apoyarse y masajear la espalda. Mobiliario de ñiguiñogui poco meditado.
Por último, el manejo de los bisturíes se realiza mediante una especie de acordeón que recuerda esos juguetes infantiles que hemos regalado a nuestros hijos.
Así pues, el responsable del vestuario y de estos efectos merece tanto un suspenso como una colleja.
Ahora vamos a los aspectos positivos.
Personalmente considero que Cronenberg ha acertado a la hora de denunciar una serie de derivas que en este momento ya están presentes en la sociedad o proyectando su sombra transhumanista sobre nosotros.
Cronenberg denuncia que la sociedad está perdiendo el sentido de la sexualidad normal.
Será por las infinidad de posibilidades de sexo en Internet que el ser humano ha perdido la capacidad de concebir y experimentar relaciones sexuales y se sumerge en un sexo cada vez más virtual, sin contactos físicos (para no tener problemas). De ahí la apuesta por el Metaverso. El cual espera ofrecer a sus abonados un sexo virtual y sentir las relaciones a través de distintas tecnologías, multiplicando los ingresos de Silicon Valley.
La sexualidad, en el mundo que denuncia Cronenberg, se reduce a un placer masoquista en hacerse cortes y escarificaciones (tatuajes habituales en África). Como si todo ello fueran “los nuevos vicios”, una nueva droga. En las esquinas de las calles, los jóvenes se van realizando cortes como la cosa más natural del mundo. Y la propia “Caprice”, la esposa del protagonista, juzga, en un momento dado, que debe lucir estas marcas en su propia frente, deformando su rostro.
Así mismo, las operaciones de cirugía estética quedan implícitamente denunciadas en esta película. La locura de esta moda radica en que nadie, en su sano juicio, debería entrar en un quirófano para “mejorar su look”. Sin embargo, otro de los “performers” que actúan en la película ha logrado implantarse decenas de orejas en todo el cuerpo por el simple placer de sorprender al público “voyeur” que acude a ver sus danzas. Se entiende entonces la frase que ha hemos citado: “la cirugía es el nuevo sexo”.
El personaje más cuerdo que aparece a lo largo de los 107 minutos de metraje es la madre que, en la introducción, asesina a su hijo. En efecto, abomina de las mutaciones que ha sufrido su hijo, a causa de la pertenencia de su padre a la secta que quiere acelerar la evolución de la humanidad. La madre deplora ver a su hijo comer continuamente plásticos, expulsando una baba blanca. Esto, en sí mismo, resulta quizás lo más descorazonador de la cinta: el personaje que reacciona con repugnancia natural a todas estas prácticas es, a fin de cuentas, la asesina de su hijo.
Cronenberg en esta cinta está denunciando, además de la cirugía estética, de los tatuajes, de la estupidez de los “performers” y de la miseria sexual de nuestra época, el movimiento y las ideas transhumanistas muy habituales entre los más sofisticados de Hollywood.
Parten de la base de que la evolución no ha terminado y que es necesario realizar una síntesis entre el ser humano y la máquina y que eso es posible hoy, “acelerando la evolución” mediante las nuevas tecnologías: ingeniería genética, nanotecnología, inteligencia artificial, criogenia, etc. No en vano, alguien ha dicho que el transhumanismo es y será la ideología más potente y peligrosa para la sociedad.
CÓMO VEO A LOS ACTORES
La película está sostenida por estos tres actores que Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart que defienden muy bien sus personajes, incluso me gustó el trabajo de Kristen Stewart, que para nada es mi actriz favorita.
RECOMENDARLA POR…
Es verdad que en Mayo y durante el Festival de Cannes 2022 la gente abandonó la sala de proyección. Hubo tantas deserciones como minutos de aplausos. No es de extrañar dada la obsesión que David Cronenberg tiene por el cuerpo humano, la sexualidad y las vísceras.
Después de dos años de Pandemia mundial. Recomiendo esta película porque Cronenberg ha sido para mí, el contacuentos de terror, providencial de este presente. Es como si hubiera utilizado un Espejo.
Donde el no poder tocarse por miedo al Covid-19, el no tener relaciones sexuales seguras si no era con mascarilla, alcohol, condón y guantes, las personas han preferido tatuarse la piel hasta el infinito y más allá. Llegando a un verano donde este paradigma del dolor masoquista del placer, se ha hecho presente en miles y miles de cuerpos humanos.
Entre los ya muchos actores del cine británico que no son de origen anglosajón, destaca con luz propia Adeel Akhtar, nacido en Londres en el peor momento del gobierno de Margaret Tatcher, durante las huelgas mineras de 1980. Hijo de padre pakistaní y madre keniana, su padre, le enseñó que si se empieza algo hay que terminarlo y su madre, que ante los obstáculos se tiene energías suficientes como para superarlos. Provisto de estas enseñanzas se matriculó en la facultad de derecho de Londres.
Esto no le impidió participar en algunas obras teatrales alternándolas con las asignaturas de la carrera. Poco a poco se fue decantando hacia la interpretación, actividad para la que contó con el decidido apoyo de su madre, gran aficionada al teatro. Al licenciarse como abogado, tenía muy claro que su futuro pasaría por los escenarios y no por los juzgados, así que se matriculó en la The New School de New York, para pasar luego al famoso Actors Studio Drama School.
Por ambos centros han pasado los grandes nombres que han protagonizado la historia del cine desde los años 50. Actualmente, el Actors Studio está presidido por Al Pacino y Ellen Burstyn. Vale la pena recordar que la institución fue fundada en 1947 por Elia Kazan y Cheryl Crawford. Adeel Akhtar aprendió allí el famoso "método Stanislavski", médoto interpretativo que tiende a identificar al actor con el personaje representado.
Cuando llegó al Actors Studio, Akhtar había aprendido las técnicas interpretativas básicas en la Universidad The New School. Dentro de esta institución, fundada en 1919, se había creado la Nueva Escuela de Investigación Social, en la que se formaron actores célebres como Ben Gazzara, Rod Steiger, Shelley Winters, Walter Mathau, y escritores como Jack Kerouac, entre otros muchos.
Tiene un espíritu algo "retro" y ligeramente "vintage". Parece como si se sintiera incómodo en el centro de la modernidad anglosajona. Ha declarado que le hubiera gustado vivir en el New York de los años 50, el del gran género negro, las mujeres fatales y los actores míticos.
¿Porque es mi actor favorito?
El mejor actor es aquel que inicia su carrera desde los papeles de reparto más simples. Harrison Ford, por ejemplo, aparece en una pequeña escena de Apocalipsis Now. Poco a poco fue escalando hasta encarnar, cinco años después, a Han Solo en "La Guerra de las Galaxias" Star Wars. De modo que no hay nada más sobresaliente para mi que aquellos actores que en sus inicios destacan, por breves que sean, en papeles de reparto o secundarios.
No es un actor que responda a los cánones de belleza, ni siquiera tiene un aspecto de galán o de bandido cínico. Su mirada es la que tiene una expresividad particular que lo predispone a papeles grotescos, cómicos o a encarnar personalidades empáticas y confiables. No es ningún Adonis. Su complexión es normalita y él mismo ha declarado que no se siente orgulloso cuando lleva una camisa ajustada.
Aunque tiene todo lo que un buen actor debe tener: una exquisita formación profesional, haber realizado papeles de reparto particularmente honestas en películas que nunca decepcionan. Y cuando aparece en alguna producción, puede tenerse la seguridad de que se trata de una película o serie con calidad, más que aceptable. Y lo que es todavía más meritorio: es su registro interpretativo que varía desde la comedia hasta el drama. No todos los actores pueden alardear de lo mismo.
Su trabajo en el cine se inicia en 2002 con la película Let's Roll: The Story of Flight 93 y dado que estamos en el 2022, en estos 20 años ha participado en muchas series y películas.
Voy a seleccionar unas cuantas interpretaciones de películas o series. Sin olvidarme de la más reciente película estrenada como actor principal: Ali & Ava (2021)
Ali & Ava (2021) de Clio Barnard
Esta película está protagonizada por Adeel Akhtar y la actriz Claire Rushbrook. Para mi, dado que el guión de la película es tan previsible y que puede producir un coma diabético, no diría que es de las más relevantes interpretaciones de este actor. El guión es bastante cursi, dramáticamente endeble. Aparecen los clichés que, para el espectador es siempre tedioso que el guión sea tan predecible. Todo es “tan posible” que resulta un cuento. Pienso que los actores han hecho lo posible y merecen todo mi respeto.
Otros trabajos como:
Película Four Lions.Akhtar es conocido por su papel de un torpe musulmán extremista.
Película Murdered By My Father. Ganó el premio BAFTA 2017 como actor principal. Fue reconocido por su brillante y torturada actuación. Akhtar hace el papel de un hombre que asesina a su hija en un llamado asesinato de honor.
Y tiene mucha importancia ya que fué el primer actor, no blanco, en ganar este premio en 62 años de la Historia de los Bafta.
Serie Utopía. Adeel Akhtar como Wilson, un “friki” de la supervivencia y un conspiracionista. Wilson termina creyendo que la Red tiene razón y que una esterilización masiva es la única manera de salvar a la raza humana de la extinción. En 2015, fue nominado a un BAFTA como Mejor Actor de Reparto por su papel de Wilson en Utopía.
Serie River. Sale en el episodio 6 es el detective Sargento Ira King
Serie Back to Life. Haciendo el papel de Billy
Serie The Night Manager. Haciendo el papel de Rob Singhai
Entre otros muchos trabajos
Bien, para finalizar espero que el retrato que he realizado de este actor os invite a ver sus películas y series
…………………..
Murdered by my Father (2016) de Bruce Goodison
El premio a este actor, en su papel más difícil y complejo, en una película tan complicada y poderosa fue muy agradecido tanto por el actor como por la BBC que apostó por el polémico tema del matrimonio forzado y los asesinatos de honor. La BBC se comprometió en contar historias desafiantes sobre nuestra sociedad actual.
Es una película que exige ser vista por la mayor cantidad de personas posible, porque este es un problema que requiere conciencia. Solo reconociendo el problema de los crímenes de "honor" e iniciando una conversación sobre ellos podemos poner fin a estas horribles tragedias y dar a las personas la justicia y las libertades que merecen.
Todos los padres quieren lo mejor para sus hijos, y Shahzad no es una excepción. Shahzad viudo con dos hijos, Salma de 16 años y Hassan, trata de cuidar de que vayan por el buen camino.
Shahzad quiere asegurarse de escoger al hombre adecuado, dado que ya está en edad de casarse. Debe cumplir con sus costumbres porque así se lo prometió a su esposa.
Four Lions (2010) Chris Morris
Un grupo de jóvenes musulmanes que viven en Sheffield (UK) deciden hacer la yihad con un plan inepto para convertirse en terroristas suicidas. Omar y Waj tienen una carrera breve y desastrosa en un campo de entrenamiento de Pakistán, mientras que Faisal trabaja en un plan poco probable para entrenar a las aves para que lleven bombas
Estos maravillosos idiotas son caricaturas con corazón. Fanáticos, aspirantes a terroristas, en su mayor parte no solo comparten una célula terrorista, sino también una célula cerebral entre ellos. Es a través de ellos y sus diálogos rápidos, auténticos e hilarantes que se nos presenta el humor y la sátira a veces mordaz.
La película de Morris es tan inteligente por cómo equilibra los comentarios sociales y religiosos y el humor fuerte y descarado. Cruza las líneas más de una vez.
Lo extraño que sucede cuando ves Four Lions es que su matiz más serio se te arrastra lentamente, solo para darte una bofetada en la cara en la escena final donde Morris te hace darte cuenta de lo que te has estado riendo todo el tiempo. Y para que un cineasta lo logre, bueno, solo puedo hacer una reverencia profunda.
